Stacjonarne kursy audio w studio Daars
Przez ponad 20 lat pracy z dźwiękiem – w studiach nagraniowych, na scenach koncertowych i w teatrach – zdobyłem doświadczenie, którym dziś chcę się z Tobą podzielić. Przygotowałem cztery poziomy warsztatów, w których stawiam przede wszystkim na praktykę – będziemy nagrywać, miksować, eksperymentować i pracować na prawdziwych projektach, wykorzystując techniki i rozwiązania sprawdzone przeze mnie podczas setek produkcji.
Wszystkie czterynoclegową, dzięki czemu
Level 1 - AUDIO START
Chcesz wejść do świata audio, ale nie wiesz jeszcze, czy bardziej ciągnie Cię do studia, produkcji czy koncertów? Zobacz pełny opis AUDIO START i sprawdź, czy to dobry pierwszy krok dla Ciebie.
Level 2 - STUDIO - LIVE
Jak przenieść brzmienie studyjne na scenę, nie tracąc jego charakteru i energii? Podczas tego szkolenia pokażę Ci techniki wypracowane przez lata współpracy z zespołami i teatrem – od miksowania i pracy ze stemami, przez triggery i automatykę, aż po synchronizację dźwięku, światła i video w jedno spójne show.
LEVEL 3 – LIVE MIX LAB
To intensywne warsztaty zaawansowanego miksowania, podczas których wykorzystamy ponad 20 lat doświadczenia, pracując na prawdziwych multitrackach, konsoletach live i w środowisku DAW, odkrywając techniki sprawdzające się zarówno w studio, jak i na koncertach – od małych klubów po stadiony. Wspólnie z gościem specjalnym Łukaszem Kaczmarkiem przeanalizujemy profesjonalne miksy, podzielimy się sprawdzonymi patentami i pomożemy Ci rozwinąć własne brzmienie, również na materiale, który przywieziesz ze sobą.
LEVEL 4 IMMERSIVE AUDIO
Odkryj świat miksu immersyjnego w studio i na żywo – poznaj Dolby Atmos na systemie 7.1.4, technologię L-Acoustics L-ISA oraz techniki tworzenia przestrzennych efektów dźwiękowych wykorzystywanych w muzyce, filmie i teatrze. Pracując na prawdziwych projektach muzycznych i teatralnych, nauczysz się wykorzystywać przestrzeń jako nowy wymiar miksu, a swoją wiedzę poszerzysz podczas spotkania z gościem specjalnym, Krystianem Kołakowskim.
Jeśli masz jakiekolwiek pytania śmiało napisz je poniżej w formularzu kontaktowym.
AUDIO START — zacznij od podstaw w audio
Interesujesz się muzyką, nagrywaniem lub produkcją, ale nie wiesz, od czego zacząć? Otwierasz program DAW i ilość funkcji Cię przytłacza?
A może zastanawiasz się, czy bardziej pociąga Cię studio, produkcja muzyczna, czy praca przy koncertach?
AUDIO START powstał dla osób takich jak Ty.
Nie musisz wiedzieć, kim chcesz zostać. Producentem muzycznym? Realizatorem koncertowym? A może zainteresuje Cię streaming lub praca z artystami? Najpierw poznaj podstawy. Potem zdecydujesz, w którą stronę chcesz pójść.
Podczas trzech dni pokażę Ci świat dźwięku. Dowiesz się, czym jest dźwięk, jak działa mikrofon, jak nagrać instrument lub wokal, pracować w Cubase i stworzyć pierwszy miks. Poznasz podstawowe narzędzia realizatora.
Ale nie zatrzymamy się tylko w studio.
Pokażę Ci, jak te umiejętności wykorzystuje się podczas koncertów i transmisji. Wiedza zdobyta przy nagrywaniu muzyki przyda się przy pracy z zespołem na scenie.
Sam swoją drogę zawodową budowałem właśnie w ten sposób,łącząc studio, produkcję muzyczną, koncerty, FOH, monitoring, broadcast, teatr i różnego rodzaju wydarzenia. Dzięki pracy z dźwiękiem miałem okazję realizować projekty i podróżować po Europie, Azji i Afryce. Studio nigdy nie musiało być dla mnie jedyną możliwością. I własnie to chcę Ci pokazać
Po AUDIO START poznasz podstawowe narzędzia i lepiej zrozumiesz, jak wygląda praca w branży audio.
AUDIO START ma być Twoim pierwszym krokiem w świat profesjonalnego audio.
Czy nie jest za późno, żeby zacząć?
Nie ma jednego właściwego wieku, żeby wejść do branży audio. Może masz 18 lat lub więcej i myślisz, że chciałbyś spróbować czegoś innego.
Na zmianę kierunku naprawdę nie musi być za późno.
Sam zacząłem 20 lat temu w wieku 26 lat, ucząc się Sound Engineering and Music Technology w Wielkiej Brytanii. Wiedzę zdobywałem krok po kroku.
Jeżeli jesteś młodszy — tym lepiej. Masz więcej czasu na eksperymentowanie. Jeżeli jesteś starszy — to również nie musi być przeszkodą.
Najważniejsze jest to, czy naprawdę chcesz się tego nauczyć.
Co dalej po kursie?
AUDIO START nie musi kończyć się po ostatniej sesji w programie do nagrywania. Chciałbym, żeby dla części uczestników był początkiem dłuższej drogi.
Jeżeli zdecydujesz się rozwijać, mogę pomagać Ci oceniać kolejne kroki.
Nie obiecuję pracy po trzech dniach kursu, ale mogę pokazać Ci, jak dojść do momentu, w którym ktoś będzie chciał Ci tę pracę zaproponować.
Po tych trzech dniach nie będziesz wiedział wszystkiego, ale powinieneś wiedzieć, czy chcesz iść dalej i jaki może być Twój następny krok
AUDIO START — poznaj podstawy. Spróbuj. Zrozum. I zdecyduj, dokąd chcesz pójść dalej.
LEVEL 1-AUDIO START
Miksowanie i przenoszenie brzmienia studyjnego na scenę
Masz już podstawy. Wiesz, czym jest EQ, kompresor, AUX, grupa czy efekt. Nagrywasz własną muzykę, produkujesz, grasz w zespole albo masz już pierwsze doświadczenia z nagłośnieniem koncertów.
Teraz czas zrobić kolejny krok.
Jak sprawić, żeby utwór, który świetnie brzmi w studio, nie stracił swojego charakteru po wejściu zespołu na scenę?
To właśnie będzie jednym z najważniejszych tematów tego szkolenia.
ZE STUDIA NA SCENĘ
Współczesna muzyka bardzo często powstaje w sposób, którego nie da się po prostu odtworzyć za pomocą kilku instrumentów stojących na scenie.
Warstwy syntezatorów, dodatkowe wokale, sample, efekty, automatyka, zmieniające się brzmienia instrumentów, przetworzone bębny czy elementy sound designu – wszystko to jest częścią produkcji i charakteru utworu.
Na koncercie mamy jednak prawdziwy zespół, system PA, monitory, mikrofony, akustykę pomieszczenia i zupełnie inne warunki niż w studio.
Jak połączyć te dwa światy
Przez lata pracy koncertowej z artystami,praca w teatrze i zespołami, między innymi Sweet Noise czy Sandrą, gdzie rockowe brzmienia spotykają się z popem, elektroniką i elementami produkcji studyjnej, wypracowałem kilka bardzo skutecznych technik przenoszenia charakteru produkcji ze studia na scenę.
I właśnie tym doświadczeniem chcę się z Tobą podzielić.
Nie chodzi o to, żeby koncert był kopią płyty.Chodzi o to, żeby zachował jej charakter, energię i rozpoznawalne brzmienie, jednocześnie pozostając prawdziwym występem na żywo.
BIERZEMY KONKRETNY UTWÓR I PRZENOSIMY GO ZE STUDIA NA LIVE
Nie będziemy rozmawiać wyłącznie o teorii.Otworzymy prawdziwy projekt.Posłuchamy produkcji studyjnej i zastanowimy się:Co właściwie powoduje, że ten numer brzmi właśnie tak?Rozłożymy utwór na części.Sprawdzimy instrumenty, efekty, panoramę, dynamikę, automatykę, dodatkowe warstwy, sample i elementy produkcyjne.A później zaczniemy budować jego wersję koncertową.
Zdecydujemy:
- co powinno być grane przez muzyków,
- co możemy odtworzyć za pomocą stemów,
- co warto triggerować,
- które elementy produkcji są naprawdę istotne,
- z czego możemy zrezygnować,
- co musi pozostać pod kontrolą realizatora,
- a co powinien kontrolować muzyk.
Następnie zbudujemy routing, playback, efekty i miks.
Od projektu DAW do gotowego show.
MIKSOWANIE – ALE Z KONKRETNYM CELEM
Będziemy pracować zarówno w DAW, jak i na konsolecie i Qlab
EQ, kompresja, bramki, saturacja, efekty, grupy, równoległa kompresja czy automatyka nie będą omawiane jako osobne „magiczne narzędzia”.
Będziemy używać ich wtedy, kiedy rzeczywiście rozwiązują konkretny problem.
Zobaczymy również, jak inaczej podejść do miksowania:
w studio, na FOH co warto robić w klubie a co na stadionie, w monitorach oraz w streamingu.
Bo ten sam sygnał może wymagać zupełnie innego podejścia zależnie od tego, gdzie ostatecznie trafia.
STEMY, PLAYBACKI I ELEMENTY PRODUKCJI
Dowiesz się, jak przygotować produkcję studyjną do wykorzystania podczas koncertu.Będziemy pracować ze stemami, playbackami, samplami, click trackiem i dodatkowymi elementami produkcyjnymi.Pokażę Ci również, dlaczego wrzucenie całej produkcji do jednego stereo playbacku nie zawsze jest najlepszym rozwiązaniem.Zastanowimy się, które elementy warto rozdzielić i wysłać osobnymi kanałami do konsolety, aby realizator nadal miał kontrolę nad miksem w zależności od systemu PA, sali i sytuacji koncertowej.
TRIGGEROWANIE BĘBNÓW I ZMIANA BRZMIENIA W TRAKCIE UTWORU
Nowoczesny koncert nie musi oznaczać jednego brzmienia werbla przez cały występ.Poznamy możliwości triggerów perkusyjnych.Zobaczysz, jak połączyć naturalne brzmienie zestawu z samplami oraz jak wykorzystać elektronikę jako część produkcji koncertowej.Możemy pójść jeszcze dalej.
Zwrotka – jedno brzmienie.
Refren – inne.
Bridge – kolejna warstwa lub zupełnie inny charakter instrumentu.
Pokażę, jak zaprogramować takie zmiany i jak sprawić, żeby odbywały się automatycznie i były zsynchronizowane z resztą show.
DAW + QLAB + MIXER – NIE TYLKO DŹWIĘK
Współczesny koncert to coraz częściej nie tylko muzyka.To również video, światło, multimedia i automatyka show.Dlatego będziemy pracować zarówno w programach DAW, jak i w QLab.Zobaczymy, jak przygotować system, w którym elementy show mogą działać razem.Muzyka może uruchomić określone wydarzenie.Playback może być zsynchronizowany z video.Zmiana części utworu może być powiązana ze zmianą elementów show.
Światło, obraz i dźwięk mogą korzystać ze wspólnej osi czasu.
Porozmawiamy o synchronizacji, cue, MIDI, timecode i możliwościach komunikacji pomiędzy urządzeniami i programami.
Celem nie jest zastępowanie realizatora światła czy video.
Celem jest zrozumienie, jak wszystkie elementy produkcji mogą komunikować się ze sobą, żeby stworzyć jedno spójne widowisko.
DLA KOGO JEST LEVEL 2?
To szkolenie jest dla osób, które mają już podstawową wiedzę o audio i chcą zrobić kolejny krok.
Dla realizatorów live, którzy chcą lepiej zrozumieć produkcję muzyczną.
Dla producentów studyjnych, którzy chcą nauczyć się przenosić swoje produkcje na scenę.
Dla muzyków przygotowujących własne koncerty i playbacki.
Dla osób pracujących w domach kultury, klubach i lokalnych instytucjach.
Dla zespołów, które chcą zabrzmieć na żywo bliżej tego, co stworzyły w studio.
I dla każdego, kto zaczyna rozumieć, że współczesny realizator dźwięku coraz częściej musi wiedzieć znacznie więcej niż tylko jak obsłużyć mikser.
CO BĘDZIESZ POTRAFIŁ PO SZKOLENIU?Chcę, żeby po tych trzech dniach uczestnik potrafił spojrzeć na gotową produkcję i pomyśleć:
„OK. Wiem, jak zabrać to na scenę.”
Będziesz wiedzieć, jak przeanalizować utwór, przygotować stemsy,sample i playback, zbudować routing, wykorzystać DAW oraz QLab, pracować z triggerami i zaplanować podstawową synchronizację dźwięku z pozostałymi elementami show.
Ale przede wszystkim zaczniesz patrzeć na koncert nie tylko jak na nagłośnienie zespołu.
Zaczniesz patrzeć na niego jak na produkcję.
Bo dobry live sound nie musi kończyć się na tym, że wszystko słychać.
Może zachować charakter płyty, wykorzystać energię prawdziwych muzyków i jednocześnie stać się czymś jeszcze większym – pełnym, świadomie zaprojektowanym show.
LEVEL 2 - STUDIO LIVE
LEVEL 3 MIX LAB STUDIO/LIVE
20 lat doświadczenia. Studio i live. Techniki, które naprawdę działają.
To szkolenie nie będzie o tym,gdzie znajduje się kompresor i do czego służy EQ.
Na LEVEL 3 zakładamy, że podstawy już znasz. Teraz chcemy wejść znacznie głębiej w samo miksowanie, podejmowanie decyzji i budowanie brzmienia.
Przez ponad 20 lat pracy w studio, na koncertach, trasach, festiwalach, w teatrach i przy dużych produkcjach wypracowałem własny zestaw technik i patentów. Część z nich pochodzi ze studia i została przeze mnie zaadaptowana do live. Inne powstały właśnie dlatego, że podczas koncertu klasyczne podejście studyjne po prostu się nie sprawdzało. Na tych warsztatach będziemy je rozkładać na części pierwsze.
MIKSUJEMY. DUŻO.
Dostaniesz przygotowany przez nas materiał multitrack i będziemy miksować go na prawdziwych konsoletach live.
Możesz pracować na naszym sprzęcie, ale możesz również przyjechać ze swoim mikserem. Jeżeli na co dzień pracujesz na konkretnej konsolecie, warto właśnie na niej przećwiczyć nowe techniki i później zabrać gotowe rozwiązania bezpośrednio do swojej pracy.Nie interesuje nas jednak stworzenie jednego idealnego miksu.
Będziemy sprawdzać różne rozwiązania i zadawać pytania:
Dlaczego to działa? Co się stanie, jeśli zrobimy to inaczej? I czy ten sam patent zadziała w zupełnie innych warunkach?
KLUB TO NIE STADION
To, co świetnie działa w studiu, nie zawsze sprawdzi się na scenie. Ale nawet technika, która działa podczas dużego koncertu plenerowego, może kompletnie nie sprawdzić się w klubie na 200 osób.
Porównamy więc podejście do miksowania w różnych warunkach:
małe kluby i domy kultury, większe sale koncertowe, plenery, festiwale oraz duże systemy stadionowe.
Porozmawiamy o tym, jak zmienia się podejście do dynamiki, EQ, przestrzeni, kompresji, równoległego przetwarzania, grup, efektów czy budowania całego miksu, kiedy zmienia się pomieszczenie, system PA i skala wydarzenia.
LIVE ↔ STUDIO
Na tym kursie mikser live nie będzie jedynym narzędziem. Otworzymy również DAW i zmiksujemy nagranie koncertowe w środowisku studyjnym.
To daje świetną możliwość porównania dwóch światów. Co możemy zrobić ze śladami live, kiedy przestaje nas ograniczać czas koncertu?
Jak daleko możemy pójść z obróbką?
I najważniejsze:
które techniki studyjne warto przenieść na koncert, a które lepiej zostawić w studio?
Będziemy porównywać oba podejścia na dokładnie tym samym materiale.
OTWIERAMY PRAWDZIWE SESJE
Nie chcę pokazywać Ci wyłącznie przygotowanych przykładów, które zawsze „magicznie” działają.
Otworzymy rzeczywiste sesje i miksy. Przeanalizujemy studyjne miksy utworów, które możesz znać, i zobaczymy je na otwartym organizmie ślad po śladzie, grupa po grupie, plugin po pluginie.
Zobaczysz nie tylko co zostało zrobione, ale przede wszystkim dlaczego podjęto właśnie taką decyzję.
Porównamy to następnie z rzeczywistością koncertową.
GOŚĆ SPECJALNY – ŁUKASZ KACZMAREK
Gościem specjalnym warsztatów będzie Łukasz Kaczmarek — realizator z ogromnym doświadczeniem studyjnym, a jednocześnie świetny realizator live, współpracujący z wieloma czołowymi artystami.
To dla mnie bardzo ważna część tego szkolenia.Nie chcemy przedstawiać jednej „jedynej słusznej” szkoły miksowania.
Porównamy nasze sposoby pracy, patenty i podejście do tych samych problemów. Czasami do podobnego rezultatu można dojść zupełnie inną drogą i właśnie z takich różnic można nauczyć się najwięcej.
PRZYJEDŹ ZE SWOIM MIKSEM
Jeżeli masz własne nagranie koncertowe w multitracku — przywieź je ze sobą.
Może to być koncert Twojego zespołu, produkcja, którą realizowałeś, albo materiał, z którym od dawna walczysz i nie możesz uzyskać efektu, którego szukasz.
Otworzymy sesję i wspólnie nad nią popracujemy. Nie będziemy tylko mówić, że można byłoby zrobić to inaczej.
Podłączamy materiał i sprawdzamy.
CZEGO BĘDZIEMY DOTYKAĆ?
Między innymi EQ i świadomego budowania miejsca w miksie, kompresji klasycznej i równoległej, kontroli transjentów, grup i bus processingu, saturacji, efektów przestrzennych, pracy z wokalem, bębnami, basem i gitarami, budowania głębi miksu, automatyki, gain structure, pracy z dynamiką całego zespołu oraz różnic pomiędzy processingiem studyjnym i koncertowym.
Ale przede wszystkim będziemy zajmować się czymś ważniejszym niż konkretna wtyczka czy parametr-podejmowaniem właściwych decyzji.
Bo po latach pracy okazuje się, że dobry miks coraz mniej polega na tym, ile procesorów potrafisz włączyć, a coraz bardziej na tym, że wiesz kiedy czegoś użyć i kiedy najlepiej nie robić nic.
TO NIE JEST KURS DLA POCZĄTKUJĄCYCH
LEVEL 3 jest dla osób, które mają już podstawowe doświadczenie z realizacją lub produkcją dźwięku i chcą wejść poziom wyżej.
Dla realizatorów live, producentów, muzyków produkujących własną muzykę, realizatorów pracujących w klubach i domach kultury oraz osób, które potrafią już zrobić miks, ale czują, że chcą zacząć robić go bardziej świadomie.
Nie chcę, żebyś po tych warsztatach wyjechał z listą ustawień typu:
„kompresor – ratio 4:1, attack 20 ms”.
Chcę, żebyś wyjechał wiedząc:
dlaczego w jednej sytuacji ustawić go właśnie tak, dlaczego w innej kompletnie inaczej, a kiedy w ogóle go nie włączać.
To właśnie będzie LEVEL 3 – STUDIO/LIVE MIX LAB.
LEVEL 4
IMMERSIVE AUDIO
Studio • Live • Dolby Atmos • L-ISA • Sound Design
Stereo to dopiero początek.
Level 4 to wejście w świat miksu immersyjnego, zarówno w studio, jak i podczas produkcji live.
Tutaj przestajemy myśleć o miksie wyłącznie jako o balansie instrumentów, panoramie, EQ czy kompresji. Dostajemy kolejny bardzo potężny element-przestrzeń. Jak umieścić słuchacza wewnątrz muzyki?
Jak wykorzystać przestrzeń nie jako efektowny gadżet, ale jako świadome narzędzie produkcyjne? Jak przygotować miks immersyjny muzyki? Jak przełożyć podobny sposób myślenia na koncert, spektakl, film czy sound design?
Tym właśnie miedzy innymi zajmiemy się podczas Level 4.
DOLBY ATMOS – MUZYKA W 7.1.4
Dzisiaj miks immersyjny nie jest już zarezerwowany wyłącznie dla kina czy wielkich instalacji koncertowych. Coraz częściej spotykamy go również w normalnej dystrybucji muzyki, dlatego przyjrzymy się Dolby Atmos i temu, jak zmienia on sposób myślenia o miksie.
W Studio DAARS mamy do dyspozycji świetny system odsłuchowy 7.1.4, dzięki któremu nie będziemy poznawać Atmosu z wykresów czy filmów na YouTube.
Usiądziemy w środku systemu i będziemy miksować. Zaczniemy od materiału muzycznego, który znamy w stereo, a następnie otworzymy go w przestrzeni.Co zrobić z wokalem? Gdzie umieścić instrumenty? Co z bębnami i basem? Jak wykorzystać górną warstwę systemu? Co zrobić z pogłosami i delayami? Jak budować głębię?
Kiedy pozostawić element stabilnie przed słuchaczem, a kiedy wykorzystać ruch?
I przede wszystkim jak zrobić miks immersyjny, który nadal brzmi jak muzyka, a nie demonstracja technologii.
OD DOLBY ATMOS DO IMMERSJI LIVE
Studio to tylko jedna część Level 4.
Zobaczymy również, jak podobne myślenie wykorzystać podczas koncertów i spektakli.
Jednym z naszych punktów odniesienia będzie L-Acoustics L-ISA oraz realizacje powstałe w Teatrze Wielkim w Poznaniu.
Po modernizacji Teatr Wielki stał się pierwszą operą na świecie wyposażoną w połączenie immersyjnego systemu L-ISA oraz systemu aktywnej akustyki Ambiance.
Nie będziemy jednak robić kursu o jednym systemie czy jednym teatrze. Potraktujemy go jako prawdziwy przykład tego, co można zrobić z dźwiękiem, kiedy przestajemy być ograniczeni do klasycznego L/R.
R+J – IMMERSJA JAKO CZĘŚĆ SPEKTAKLU
Przyjrzymy się produkcji spektaklu „R+J” i zobaczymy, jak można połączyć muzykę, przygotowane wcześniej materiały, efekty, elektronikę i muzyków grających na żywo w jednym przestrzennym środowisku.
Otworzymy prawdziwe projekty.
Zobaczycie przygotowanie stemów, routing, obiekty, automatykę i sposób organizacji materiału.
Porozmawiamy też o tym, jak projektować takie rzeczy wcześniej w DAW, aby później można było nad nimi rzeczywiście zapanować podczas spektaklu lub koncertu.
DORIAN GRAY – OD SOUND DESIGNU DO IMMERSJI
Drugim bardzo ciekawym przykładem będzie „Dorian Gray”
Przy tym spektaklu pracowałem nad efektami dźwiękowymi wspólnie z kompozytorką Elżbietą Sikorą.
I właśnie na Level 4 pójdziemy podobną drogą.Będziemy tworzyć własne efekty dźwiękowe i umieszczać je w środowisku immersyjnym.
Zobaczymy, jak zwykłe nagranie można przekształcić w element świata przedstawionego.
Jak stworzyć przestrzeń, której fizycznie nie ma? Jak sprawić, żeby dźwięk pojawił się za słuchaczem, przeszedł przez pomieszczenie albo otoczył publiczność?
Jak wykorzystać ruch, pogłos, delay, warstwy, automatykę i manipulację dźwiękiem do opowiadania historii?
To bardzo dobry początek dla osób, które w przyszłości chciałyby wejść również w sound design, udźwiękowienie filmu, teatru, spektakli, instalacji multimedialnych czy innych form audiowizualnych.
Bo kiedy zaczynamy myśleć o dźwięku nie tylko jak o miksie piosenki, ale również jako o narzędziu budowania świata – otwierają się zupełnie nowe możliwości pracy.
GOŚĆ SPECJALNY – KRYSTIAN KOŁAKOWSKI
Gościem Level 4 będzie Krystian Kołakowski, od wielu lat związany z realizacją dźwięku w Teatrze Wielkim w Poznaniu.
Krystian uczestniczył również w procesie powstawania i wdrażania nowego systemu dźwiękowego opery, współpracując przy tym projekcie ze specjalistami odpowiedzialnymi za rozwiązania L-Acoustics.
To będzie świetna okazja, żeby porozmawiać nie tylko o technologii, ale przede wszystkim o praktycznej pracy z takim systemem podczas prawdziwych produkcji.
ORKIESTRA – ZUPEŁNIE INNY ŚWIAT
Z Krystianem porozmawiamy również o mikrofonowaniu orkiestry. Jak mikrofonować kilkudziesięciu muzyków tak, aby nie zniszczyć naturalnych proporcji orkiestry? Kiedy mikrofony mają rzeczywiście nagłaśniać, a kiedy tylko delikatnie wspierać instrument?
Jak podejść do smyczków, instrumentów dętych, perkusji czy solistów? Jak wykorzystać mikrofony ambientowe?
I jak później przełożyć taki materiał na miks immersyjny?
To bardzo ciekawy kontrast do miksowania muzyki pop, rock czy elektroniki.
STUDIO → MUZYKA → LIVE → FILM → SPEKTAKL
I właśnie o to chodzi w Level 4.
Nie chcę zamykać tego szkolenia pod hasłem: „kurs Dolby Atmos” ani „kurs L-ISA”. Technologia będzie naszym narzędziem.
Celem jest nauczenie się myślenia i miksowania w przestrzeni.Raz będzie to miks albumu w Dolby Atmos. Innym razem koncert. Spektakl teatralny. Sound design. Film.
Albo produkcja, której jeszcze dzisiaj nawet nie potrafimy nazwać.
DODATKOWE GODZINY – TEATR WIELKI W POZNANIU
Dla zainteresowanych uczestników planujemy również możliwość dodatkowych godzin w Teatrze Wielkim w Poznaniu, oczywiście w zależności od dostępności obiektu i jego harmonogramu.
Będzie można zobaczyć od środka, jak zbudowany jest profesjonalny system immersyjny, poznać rozwiązania L-ISA i Ambiance, zobaczyć routing, rozmieszczenie systemów oraz sposób, w jaki wykorzystuje się je podczas rzeczywistych produkcji.
To będzie uzupełnienie pracy wykonanej wcześniej w Studio DAARS:
najpierw tworzymy i miksujemy, później oglądamy, jak podobne idee realizowane są w dużym obiekcie.
DLA KOGO?
Level 4 kierujemy do osób, które mają już doświadczenie z miksem i chcą poszerzyć swoje możliwości zawodowe:
realizatorów live, producentów muzycznych, realizatorów studyjnych, twórców muzyki elektronicznej, realizatorów teatralnych oraz osób zainteresowanych sound designem i dźwiękiem do filmu.
Nie musisz wcześniej pracować w Dolby Atmos ani na systemie immersyjnym.
Powinieneś natomiast znać podstawy miksowania, routingu, EQ, dynamiki, BUS/AUX, FX i automatyki.
LEVEL 4 – MIX & IMMERSIVE AUDIO
Nie chodzi o to, żeby dźwięk latał dookoła głowy. Chodzi o to, żeby nauczyć się korzystać z kolejnego wymiaru miksu - przestrzeni.
I wiedzieć, kiedy zrobić z niej ogromny efekt, a kiedy wykorzystać ją tak subtelnie, że słuchacz nawet nie zauważy technologii – po prostu poczuje, że znalazł się wewnątrz muzyki.